Reportaje: El cine de hoy y de mañana

Desde los blockbuster y las películas high concept, pasando por el cine digital, hasta el High Frame Rate, el motion tracking y Oculus Rift.

En los inicios del cine, el montaje de una película consistía en un repetitivo trabajo de corta y pega, manipulando centenares de metros de película fotográfica extremadamente inflamable. Hoy en día, gracias a la evolución tecnológica dentro del sector, los nuevos formatos digitales han cambiado los métodos de trabajo de cualquier cineasta profesional.

Cuando hablamos de cambios tecnológicos en el cine, el mas significativo de los últimos años, sin duda, ha sido el paso de cine analógico a cine digital. ¿Pero que mejoras comporta rodar con cámaras digitales en lugar de analógicas?
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Ha habido muchos cambios a mejor, el mas significativo para los cineastas amateurs y independientes, así como los productores es que el cine digital es mas barato. Con las cámaras digitales ya no hace falta sufrir por los ruidos con los rollos en la moviola. Ahora el director de fotografía puede tener un monitor para saber lo que saldrá en la película.
Las cámaras digitales no usan película, sino que tienen un sensor y un disco duro donde almacenan todo lo que se va rodando, también dan una nueva estética al cine, ya que son menos pesadas que las analógicas y con el paso de los años han ido reduciendo en gran medida el peso de las cámaras y mejorando la calidad de grabación de ellas.
El grabar en digital supone hacer más fácil el montaje ya que se monta a través de un ordenador y facilita el usar efectos especiales.
Desde el punto de vista de la diversidad y la variedad, el digital es muy beneficioso para el cine independiente por su facilidad de distribución.
Si aun quedan directores a los que les gusta la textura del fotoquímico la película digital puede procesarse para que parezca una película fotoquímica.
Actualmente el cine digital es el más utilizado y la película fotoquímica queda como una opción artística pero con un uso mucho menos frecuente.

Hemos visto diferentes factores y nuevas tecnologías que han cambiado tanto la manera de grabar y producir películas como la forma en que los espectadores consumen esas películas. Por ejemplo, el mundo de realidad virtual que puede ofrecer un nuevo como las gafas Oculus Rift ofrece un amplio abanico de posibilidades para la producción de nuevas películas, y especialmente mejora notablemente la experiencia que tiene el consumidor en cualquier situación que se pueda encontrar. Es decir, si el espectador está viendo una película con las Oculus Rift en su casa, no habrá mucha diferencia de si la está viendo en un avión.

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En el ámbito de las películas de animación, hemos visto como el motion tracking ha mejorado el método de trabajo para la producción de este tipo de películas. Utilizando a actores reales como modelos a partir de los cuales se producen las animaciones, el producto final resulta más realista y preciso, además de hacer menos pesado el trabajo de un diseñador y animador gráfico. Un ejemplo es la película Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio, en el que se puede notar que todos los personajes animados que aparecen actúan de una forma muy humana, especialmente en sus movimientos.

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Entre diferentes formatos analizados en el reportaje, podemos incluir el high frame rateEl High Frame Rate (HFR) y conocido en español como imagen de alta frecuencia, es un formato cinematográfico alternativo a la conocida velocidad de grabación y de proyección 24p. Consiste en rodar y proyectar a 48 fotogramas por segundo reduciendo las tomas borrosas en proyecciones progresivas​. También genera una mayor profundidad de campo en tomas amplias (efecto blur) o reducir el desfase temporal en tomas con movimiento (efecto judder). Thomas Alva Edison​, inventor del quinetoscopio (algo similar al cine en casa), considera que el mínimo perceptible es a 46 cuadros por segundo; ​mientras que Peter Jackson​, uno de los célebres representantes de la técnica, describió en el festival de Sundance la transición de las imágenes de la siguiente manera:

“Ruedas a 48, proyectas a 48 y obtienes una ilusión de la vida sorprendente. Uno no se da cuenta cuán estroboscópica y cuánto titila (la imagen) con 24 (fps). Uno ve algo en 48 fps y se ve hermoso. Parece de la vida real. Es increíble”.

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También hemos hablado de películas high conceptUna película  High Concept se puede definir como esa en la  que ya de por si se tiene la posibilidad de ser serializada. Esto significa que no se realiza una película exclusiva de noventa minutos aproximadamente, sino una película que ofrezca características extensibles, que permitan rendibilizar el producto. Están pensadas con personajes sencillos, reconocibles, accesibles y que permitan al espectador empatizar con sus sentimientos y emociones. De manera que el publico pueda extraerse durante el transcurso del film de sus problemas y participar de la experiencia y las acciones de otro ser ajeno a uno mismo.

Son ideas comerciables y en general se les destina un alto presupuesto. Aparentemente, suelen tener mucha acción pero también ofrecen hibridaciones referentes al genero que permiten jugar con la dualidad y acoger a un publico más amplio. Estas ideas simples, detrás de grandes campañas de marketing se puedan vender fácilmente, son muy visuales e impactantes. El conjunto de todas estas características tiene el objetivo de que todo esto sirva para ser exportable a nivel internacional y poder ocupar la gran parte del mercado nacional e internacional.

 

Para adentrarnos más a fondo y descubrir qué tienen que decir los profesionales del sector sobre los cambios tecnológicos que han habido, la directora española Isabel Coixet concedió una entrevista al equipo de Cinecnología.

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Inicialmente licenciada en historia por su particular interés en los conflictos en Francia durante el siglo XIX, su pasión por las imágenes y la fotografía la ha llevado por una trayectoria profesional notablemente amplia y variada, habiendo dirigido múltiples películas ganadoras de premios Goya. Entre las más destacables, el documental Invisibles(2012), y las películas La vida secreta de las palabras (2005), Mi vida sin mí (2003), y Aprendiendo a conducir (2014).

Habiendo utilizado todo tipo de formatos cinematográficos, desde sus inicios grabando cortos con cámaras Super 8, y siendo una directora de gran referencia nacional e internacional, su sabiduría profesional tendrá una influencia yuna aportación muy positiva a nuestra investigación.

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Durante una hora de intercambio de palabras, en la que se habló de cambios de formatos de grabación, maneras de explicar diferentes historias, y porqué algunos directores prefieren unos formatos a otros, la directora de La vida secreta de las palabras parecía siempre llegar a la misma conclusión: cuando se produce y dirige una película, al final el formato es lo menos importante, mientras te permita contar la historia que quieres contar. No hay que centrarse tanto en cómo se produce una película, sino en el resultado final, de la misma forma que una obra de arte se observa y se juzga en su finalidad total, y no por los tipos de pinceles y pinturas que se han utilizado. 

Puedes escuchar la entrevista aquí:

 

Conclusiones

En los últimos veinte año, el cine en si no ha cambiado tanto a nivel de contenidos. Es obvio que cada película se adapta a los tiempos corrientes, pero los temas de los que tratan las películas suelen ser siempre las mismas: romances, situaciones cómicas, asesinatos y policías, villanos, guerras, entre otros. Lo que sí que ha cambiado, aunque no para todos los directores y productores, son las tecnologías que se utilizan para la creación y la consumición de estas películas. Se ha pasado de un trabajo muy minucioso de corta y pega de película fotográfica, a formatos completamente digitales y más intuitivos. Aún así, algunos de los directores de cine actuales más famosos siguen utilizando los formatos antiguos, sea por costumbre o por creencias puristas del arte cinematográfico. Al fin y al cabo, como dijo la directora Isabel Coixet, “lo importante no es cómo se rueda una película, sino el resultado final“.

 

 

 

Equipo de Cinecnología:

Joan Bonavila, Stefano Bosio, David Canas.

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“Intertextualidad”

¿Que es la intertextualidad?

Un texto es un tejido que se puede construir y leer a partir de otros textos. En el caso del cine es difícil crear una idea en el vacío y siempre viene bien tener algo en mente. La Intertextualidad permite realizar un juego de creaciones donde los diferentes productos se enriquecen entre si de sus características e historias. Por eso es importante hablar de la intertextualidad en el cine, pese a que es más concocida en textos, como un concepto teórico por parte de los estudios semióticos de Mijaíl Bajtín, Julia Kristeva y Roland Barthes entre otros grandes profesores, nos permite entender la base de los films de hoy en día. Una película como en el caso de un texto se puede comprender mucho mejor si lo adaptas dentro de una tradición.

El cine y ahora más que nunca realiza una adaptación directa de novelas, que vehículan la creación a nuevas películas inspiradas en historias anteriores. Por ejemplo adaptar los juegos del hambre es adaptar las novelas pero también todos los tejidos integrados en la novela, es decir todos esos elementos que han hecho posible dicha novela. Tarantino es un director claramente intertextual. Utiliza ambos procesos, (kill Bill) tiene un sentido de intertextualidad amplio proque utiliza las películas de artes marciales como referente. Actualmente, la intertextualidad en el cine, refleja una serie de características como es, la idea de que la obra nunca esta cerrada completamente. Podemos realizar una lectura más profundizada de los films e incluso participar de ellas <<narrativas transmedia>>. Los procesos intertextuales están mas abiertos que nunca (Matrix).

La Realidad Virtual en el Cine

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Cuando hablamos del futuro de Oculus Rift, la gran mayoría de veces nos enfocamos completamente en el mundo del videojuego y la realidad virtual aplicada a ese campo.  Facebook ha comprado una de las pantallas del futuro al hacerse con los derechos de Oculus rift y el cine también esta interesado en este invento.

Sentarnos en nuestro salón o incluso en un cine comercial y poder sentirnos parte de la película con solo mover la cabeza y cambiar nuestro punto de vista suena tan increíble como complicado de materializar. De entrada necesitaremos cámaras adecuadas. Y no unas cualquiera.

La Panopticam mira directamente al cine para apoyar esa faceta tanto de Oculus como del también esperado Morpheus de Sony.

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Esta cámara ha sido desarrollada por Figure Digital junto con el correspondiente software para grabar y editar vídeo de 360 grados. La cámara Panopticam, con forma redonda, está compuesta por 36 cámaras, y pesa 5 kg.

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El contenido que se grabe con ella puede ser convertido en interactivo y que la siguiente acción o suceso dependa de cómo nosotros nos hemos movido dentro de la película.

David Canas

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